Сезанновский кубизм - предтеча кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов. Сильное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты Поля Сезанна с формой в живописи. В картине Пикассо 1906г. "Портрет Гертруды Стайн" чувствуется увлечение искусством Сезанна. Затем в 1907г. Пикассо написал картину "Авиньонские девицы", которая считается первым шагом на пути к кубизму.

Сезанновский кубизм - так обычно называется первая фаза кубизма. По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона, кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме, а его развитие обязано идеям постимпрессионистов, особенно художников-символистов, которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Следуя трансцендентализму конца 19 в., они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире.

Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей. Эта концепция стала поводом к анализу средств, находящихся в распоряжении художника, выяснению их выразительных возможностей и утверждению идеала чисто экспрессивного искусства, подобно музыке мало зависящего от внешнего мира. У символистов эксперименты в этой области в первую очередь относились к линии и цвету, но такой аналитический подход, однажды примененный, неизбежно привел и к анализу формы.

Парусные лодки (Л. Фейнингер)Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи Поля Сезанна. В 1904 и 1907 годах в Париже прошли выставки его работ. В портрете Гертруды Стайн, созданном Пикассо в 1906 г., уже чувствуется увлечение искусством Сезанна. Затем Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается первым шагом на пути к кубизму. В ней, вероятно, воплотился интерес художника к примитивной иберийской и негритянской скульптуре. В течение 1907 г. и в начале 1908 г. Пикассо продолжал использовать в своих работах формы негритянской скульптуры (позднее это время стали называть «негритянским» периодом в его творчестве).

Осенью 1907 г. произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Лето 1907 г. Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна. С конца 1907 г. Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле. Кубисты, находившиеся под сильным влиянием некоторых постулатов, сформулированных Сезанном и опубликованных Эмилем Бернаром осенью 1907 г., стремились выявить простейшие геометрические формы, лежащие в основе предметов. Чтобы полнее выразить идеи вещей, они отвергли традиционную перспективу как оптическую иллюзию и стремились дать их всеобъемлющее изображение посредством разложения формы и совмещения нескольких ее видов в рамках одной картины. Повышенный интерес к проблемам формы привел к разграничению в использовании цветов: теплые – для выступающих элементов, холодные – для удаленных.

 

  Сентиментализм (произошло от лат. sentiment - чувство) - направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Отталкиваясь от рационализма эпохи Просвещения, сентиментализм провозгласил высшим качеством «человеческой природы» не разум, а чувство. Путь к воспитанию идеальной личности сентименталисты искали в высвобождении «естественных» чувств. Если классицизм провозглашал культ общественного, то сентиментализм утверждал право частного лица на глубоко сокровенное переживание. Ярче всего идеалы сентиментализма воплотились в литературе и театре, в живописи – в жанрах пейзажа и портрета.

Сентиментализм во французской живописи приобрёл нарочито назидательный оттенок в творчестве Ж. Б. Грёза. Чувствительность в его жанровых картинах («Паралитик, или Плоды хорошего воспитания», 1763; «Наказанный сын», 1777, и др.) перерастает в слащавость, персонажи – в ходячие олицетворения пороков и добродетелей. Позы и жесты людей преувеличенно театральны, живопись превращается в урок морали. Не случайно Грёз любил составлять литературные комментарии к своим произведениям. Кроме жанровых картин, Грёз написал множество «головок» – изображений девушек, тоскующих о мёртвых птичках, разбитых зеркалах или кувшинах. Подобные произведения, содержащие, как и знаменитая картина «Разбитый кувшин» (1785), намёк на потерянную невинность, парадоксальным образом соединяют назидательность с эротикой.

В России идеалы сентиментализма нашли выражение в творчестве В. Л. Боровиковского. Впервые в русской живописи художник начал писать людей на лоне природы. Герои его портретов гуляют по аллеям пейзажных парков с любимой собачкой или книгой в руке, предаются поэтическим мечтам или философским размышлениям («Портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке», 1794; «Портрет М. И. Лопухиной», 1797; «Портрет Д. А. Державиной», 1813), демонстрируют возвышенно-сладостное согласие сердец («Портрет сестёр А. Г. и В. Г. Гагариных», 1802). Картины «Торжковская крестьянка Христинья» (ок. 1795 г.), «Лизынька и Дашинька» (1794) воплощают убеждение сентиментализма в том, что «и крестьянки чувствовать умеют» (Н. М. Карамзин). С сентиментализмом отчасти соприкасается творчество В. А. Тропинина («Мальчик, тоскующий об умершей птичке», 1802 г.).

Сентиментализм подготовил почву для рождения романтизма.

  Сецессия (от лат. secessio - отход, отделение) - разновидность стиля модерн в чехском искусстве и культуре в период 1880-1910 гг. Происхождение и название движения связаны с пражской группой Сецессион (Уход), в которую вошли молодые художники, решившие порвать с традициями искусства предшествующих поколений (реализма и академизма, классицицма и т.д.). Проявился в осномном в дизайне и архитектуре.

 

 Символизм (происходит от фр. symbolisme) - одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства.

Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения – творческий процесс. Художник становится посредником между нашим иллюзорным миром и сверхчувственной реальностью, выражая в зрительных образах «идею в форме чувств».

Символизм в изобразительном искусстве – явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам.

Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров – от Пюви де Шаванна, Г.Моро, О.Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов (П.Гогена, Ван Гога, «набидов» и др.), работавших во Франции ( родине символизма), Бельгии, Германии, Норвегии и России. Для всех представителей этого направления характерны поиски собственного изобразительного языка: одни уделяли особое внимание декоративности, экзотическим деталям, другие стремились к почти примитивной простоте изображения, четкие контуры фигур перемежались с размытыми, теряющимися в туманной дымке, очертаниями силуэтов. Такое стилевое многообразие в совокупности с освобождением живописи «от оков достоверности» создало предпосылки для формирования многих художественных тенденций 20 в.

Символизм в изобразительном искусстве характеризуется своей концентрацией не на повседневности, в которой, а на таинственных (и даже божественных) силах, проявляющих себя через душевные переживания персонажей картин символизма, или же яркие проявления божественного в природе. Одной из ярчайших картин символизма является «Демон сидящий» Михаила Врубеля. Поистине, данная работа знаменитого русского художника является, безусловно, одной из знаковых для самого течения — русский символизм.

Мастера символизма: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель.

 

 Синтетический кубизм - разновидность кубизма, в котором художник стремился обогатить реальность созданием новых эстетических объектов, реально существующих, а не являющихся лишь изображением видимого мира. Если в аналитическом и геометическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта.

Обычно в истории кубизма выделают два этапа, именуя их кубизмом: “аналитическим” и “синтетическим” Рубежом служит 1912 год — год появления коллажа.Эти термины отражают эволюцию кубизма: аналитический скальпель, расчленяющий объекты и последовавшая затем синтетическая сборка, склейка разнокачественных фрагментов.

“Синтетичность” зрелого кубизма выражается и в другой особенности — композиционной крепости, сплоченности форм. Именно коллаж дал возможность работать большими плоскостями, не отказываясь при этом от ценной находки скользящих, переходных состояний. Цветовая гамма аналитического кубизма была очень узкой (оттенки коричневых и охристых тускло-зеленых тонов). Расширение цветового диапазона грозило довести мельтешение форм до полной неразборчивости. Вырезки из бумаги поставили задачу гармонизации разноцветных плоскостей, открыв путь к обогащению красочной палитры.

Зародился синтетический кубизм в 1912 году. Однако более активно он начал проявляться в работах кубистов 1913 года. Разные очертания из бумаги наклеивались на холст. Художники утверждали, что поверхность картины представляет собой не иллюзорное воспроизведение реальности, а самодостаточный объект. Вскоре, однако, кубисты оставили технику аппликации, потому что, как им казалось, фантазия художника может создавать более богатые комбинации элементов и фактур, не ограничиваясь возможностями бумаги. Таким образом, художники создавали самодостаточный объект, отрицая иллюзорное воспроизведение реальности окружающего мира. Чуть позже кубисты прекратили использовать в своих работах аппликации, потому что им казалось, что настоящий художник может создавать богатые комбинации и не пользуясь бумагой.

Представители: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Джино Северини, Хуан Грис, Юрий Анненков, Эд Рейнхардт и др.

 

 Социалистический реализм, соцреализм - художественный метод в искусстве, представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества. Изображение жизни в свете идеалов социализма обусловливает и содержание, и основные художественно-структурные принципы искусства соц реализма. Его возникновение и развитие связаны с распространением социалистических идей в разных странах, с развитием революционного рабочего движения.

Социалистический реализм – теоретический принцип и официальное художественное направление , господствовавшие в СССР с середины 1930-х до начала 1980-х гг.

Уже в 1920-х гг. в советском искусстве сложилось представление об его историческом предназначении – утверждать в реалистической форме социалистические идеалы, образы новых людей и общественных отношений. На 1-м Всероссийском съезде советских писателей (1934 г.) С.р. был провозглашен основным творческим методом советского искусства и сформулирован его главный принцип: требование от художника правдивого, исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии, сочетающегося с задачей воспитания трудящихся в духе социализма.

Эстетическое понятие «реализм» было соединено с определением «социалистический», что на практике вело к подчинению литературы и искусства принципам идеологии и политики. Главным постулатом С.Р. стали партийность и социалистическая идейность. Попытки расширить теоретическую базу С.р. идеями «народности» не способствовали эстетическому обоснованию его как художественного метода. Жесткие регламентированные нормы, определяющие содержание и форму произведений, круг сюжетно-тематических композиций, типизированных образов и т.д., вели к усилению в искусстве черт изобразительности, иллюстративности и декоративных излишеств, фактически превратились в запреты, тормозившие творчество и стимулировавшие создание посредственных конформистских «творений», на долгие годы устранив из культурной жизни страны талантливые произведения искусства. Изоляция от мирового художественного процесса лишь усиливала догматизм и нетерпимость С.р.

Тем не менее, за годы его существования было создано немало значительных произведений, которые составили славу советского искусства и литературы. После 1953 г. предпринимались попытки вернуть С.р. к жизненным реалиям, оживить его опытом мирового реалистического искусства, но они мало изменили идеологическую природу самого понятия. К концу 1980-х гг. с изменением политической ситуации С.р. становится историко-культурным термином.

Мастера социалистического реализма: Александр Герасимов, Борис Иогансон, Вера Мухина, Юрий Пименов, Александр Дейнека, Сергей Чуйков, Павел Корин, Евгений Моисеенко, Аркадий Пластов, Николай Андреев, Исаак Бродский.

 

 Социальный реализм - художественное направление в искусстве Америки, созданное как противовес советскому соцреализму. Основной задачей художников была декларация идей американского образа жизни в визуальном искусстве. Главным жанром в социальном реализме становится городской пейзаж (Нью-Йорк), а главными героями - простые люди, рабочие и бедняки, тяжелее всех ощутившие тяготы «Великой депрессии», I и II мировых войн.

 

 Соц-арт - направление в отечественном неофициальном искусстве 1970-х - начала 1990-х гг. Художники соц-арта использовали для своих работ стилистику, язык и завоевания соцреализма. Однако, как правило, в произведениях художников-соцартистов присутствуют юмор, ирония и саркастичное отношение к идеологическим пропагандистским клише, в изобилии растворенным в массовом сознании советских людей.

Соц-арт ( социалистическое искусство) – одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Повальное господство вещевого фетишизма в капиталистическом обществе перекликалось с засильем советского идейного мифотворчества. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, -с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления.

Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид, вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников , разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеалогии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать , т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.

Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин.

 

 Спациализм (произошло от итал. spazio - пространство) - концепция движения в искусстве, предлагающая рассматривать живопись и скульптуру одним видом искусства, соединив в нем цвет, звук, пространство, движение и время. Концепцию разработал Л. Фонтана. Представители этого направления - ряд итальянских художников поколения 1950-х гг., в 1960-е гг. - японец Аи-О, немец Х. П. Ретер и др.

 Стрит-арт (от англ. street art - уличное искусство) - искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

 

 

 Супрематизм (от лат. supremus - высший, высочайший, первейший) - направление авангардного искусства первой трети 20 века, создателем и главным представителем которого был русский художник Казимир Малевич.

Супрематизм является одним из основных течений в абстрактном искусстве, целью которого явилось выразить структуру мироздания, или высшую реальность, в наиболее простых формах. Приверженцы супрематизма были уверены в том, что наипростейшие формы служат основой для всех остальных форм в физическом мире.

За основу творчества были взяты такие формы, как треугольник, квадрат, прямая линия и круг. Художественные композиции супрематического характера изображают одну или несколько основных геометрических фигур, в черно-белых тонах, либо цветных, как статичных, так и динамичных. Самое главное, что данные фигуры оказываются организованными в согласии с законами внутренней гармонии.

 

Основателем течения явился неординарный К.С. Малевич. В 1915 году художник выставил на суд публики свой легендарный «Черный квадрат», который впоследствии сыграл роль своеобразного изобразительного манифеста супрематизма. Новые участники течения, например А.Н. Бенуа, восприняли картину «как новую икону». Развернутое обоснование «нового живописного реализма» под названием «От кубизма и футуризма к супрематизму», написанное Малевичем в 1916 году, гласило, что «искусство повторения», а именно фактическая передача физического мира и рисование с натуры, «свойственно дикарю». Подлинный творец проходит разрыв с подражанием действительности, открывая для себя истинную реальность, заключенную в простых геометрических формах.

В 1914-1915 годах происходит рождение, как самого направления, так и определяющего его термина «супрематизм». Силами учеников и последователей Малевича была образована группа художников «Супремус». Участники группы распространяли свою систему на основе геометрического конструктивизма на все виды выражения художественного творчества: росписи текстиля и фарфора, книжную графику, оформление праздников и т.п. Нередко руками супрематистов создавались и объемные формы, например, в фарфоре. Мастера движения мечтали о том, что в будущем будет образована «единая система мировой архитектуры Земли», в рамках которой целые города будут построены в простых «супрематических» формах. Чуть позднее, в 1919 году Малевич со своими учениками создал другую группу «УНОВИС», что означало – утвердители нового искусства.

Влияние супрематизма отразилось в творчестве таких художников, как: Любовь Попова, Ольга Розанова, Надежда Удальцова, Иван Клюн, Николай Суетин, Александра Экстер, Нина Генке, Иван Пуни, Александр Родченко, Александр Древин и другие.

 

 

 Сюрреализм (от фр. surrealisme - сверх + реализм) - одно из направлений модернизма. Сюрреализм возник во Франции в середине 20 века. Художники с фотографической точностью создавали нелогичные, пугающие картины обычных предметов или использовали нестандартную технику живописи, дающую возможность выразить подсознание. Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали (1904-1989), Рене Магритт (1898-1967).

Сюрреализм как одно из направлений в искусстве сформировался во Франции в начале 1920-х годов. Свое название новое течение получило от французского слова «surrealisme», что в переводе означает «сверхреализм». Отличительной особенностью данного направления явилось использование парадоксальных сочетаний различных форм и аллюзий.

В основе всех понятий сюрреализма лежит сюрреальность, выражаемая в совмещении реальности со сном. В качестве основного творческого подхода сюрреалисты предложили противоречивое, абсурдное сочетание натуралистических образов. Главной целью стояло отделение духовного от материального и его возвышение. Радикальная левая идеология явилась основным источником вдохновения для приверженцев течения, а наиболее важными ценностями были провозглашены свобода и иррациональность. Неудивительно, что сюрреалисты предлагали начать революцию с сознания человека и видели в своем искусстве основной инструмент для его освобождения. Крепкими корнями для сюрреализма служил символизм. Сюрреалисты творили свои произведения, не оглядываясь на рациональную эстетику, фантасмагория определяла основные формы. Излюбленными тематиками для сюрреалистических работ служили магия, эротика, подсознание и ирония.

В целях достижения глубин своего подсознания художники использовали самые разные методы, порой радикальные. Нередки были случаи, когда сюрреалисты работали под воздействием голода, наркотиков, гипноза, депривации сна или наркоза. Несмотря на полную хаотичность образов, в них все же можно было периодически просмотреть некую продуманность. Постепенно сюрреальность переплавлялась в продуманный метод высказываний идей, основным стремлением которых было разрушить обыденные представления.

Главный представитель сюрреалистического направления – гениальный и непредсказуемый Сальвадор Дали – описывал сюрреализм следующим образом: это не ярлык и не партия, а единственно допустимое состояние духа, которое не сковано ни моралью, ни лозунгами; сюрреализм есть ни что иное, как полная свобода духа и человеческого существа, включая его право грезить. Сальвадор Дали говорил «я не сюрреалист, я – сюрреализм».

В след за Дали пошли целые толпы художников – проповедников сюрреализма: Танги Ив, Макс Эрнест, Рене Магритт, Иероним Босх, Яцек Мальчевский, Фрида Кало, Сьюдмак Войтек, Тито Саломини, Роберт Веноза, Рафал Олбински, Эвелин Тейлор, Дэвид Джин, Дэйв МакКин, Андрей Дугин, Роберт Андерсен, Вес Бенскутер и другие.

Назад

к алфавитному указателю